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Creo que es muy común asociar las partituras analógicas a la idea de aleatoriedad. Creo que es muy común, también, asociar la idea de aleatoriedad al “superado” conceptualismo de los sesentas.
Personalmente creo que es el contexto el que da tal o cual significado a una cosa, y realmente creo que la coyuntura sociocultural actual y el contexto del lenguaje musical contemporáneo son distintos a los de hace 40 años.

Code es un proyecto, un trabajo en proceso.
Concretamente se trata de obras que poseen una partitura analógica proyectada por primera y única vez el día concierto; los intérpretes solo estudian/ensayan un código muy simple en un solo encuentro, y luego ejecutan la obra –por ellos desconocida- leyendo a primera vista los eventos que se desplazan de derecha a izquierda hacia una línea que indica el tiempo real.

¿Por qué CODE?

Este tipo de dispositivo –partitura analógica proyectada en tiempo real- es, en realidad, solo una expresión de la idea central de la obra. Principalmente mi interés esta centrado en dos puntos: el alto grado de exposición del intérprete y el mayor control de la situación de concierto por parte del compositor.

El proceso creativo interpretativo y compositivo.
La audiencia, el intérprete, el compositor.

Este sistema permite que, en aquellas secciones en las que los instrumentos se encuentran desarrollando algún tipo de acción distinta o contraria a la que ejecuta el resto del ensamble, el intérprete puede ganar seguridad al poder observar cual es su contexto; concretamente, el músico comprende rápidamente la partitura general. Esto sumado a las posibilidades de precisión en el tiempo, ofrece interesantes posibilidades de sincronismo tanto para obras acústicas como para medios mixtos.

Ahora si, en los planos meta-formal y conceptual, encuentro muy interesante lo que sucede con las partes involucradas en el concierto. La relación entre la audiencia, los intérpretes y el compositor presenta algunas modificaciones interesantes.

La audiencia comienza a entender el código y por ende a poder anticipar, como el intérprete, que es lo que va a suceder en un corto plazo. Se establece un vínculo distinto al usual entre obra y audiencia.

A partir de esto, el intérprete, como decíamos, expuesto, se somete a una situación de stress diferente: el compositor, el resto de los intérpretes y la audiencia, con la evidencia de la partitura delante, esperan algo bastante claro de el o ella.

Finalmente, toda esta situación resulta interesante para el compositor –según mi punto de vista, claro- en varios aspectos. Este dispositivo, contrariamente a lo que sugiere una primera aproximación, permite controlar con mucha eficacia y menos aleatoriedad aspectos importantes de la obra como por ejemplo las duraciones: exactas, tanto a nivel micro como macro. Creo que podemos convenir que tratándose de un arte en el tiempo…el control de este parámetro no es algo menor.
Pasando del tiempo al espacio, y de la idea de concierto a la de performance/evento, considero que el dispositivo ofrece al compositor un mayor control sobre la obra; de hecho, solo él conoce la pieza, ubicando así a los intérpretes también como parte de la audiencia.

Música y participación

Junto a Miguel Galperin, hemos comenzado a modificar y desarrollar este dispositivo dentro de la idea de “Música y participación”, proponiendo la puesta en concierto de dos obras que involucran al público como parte fundamental.
El día mismo del concierto, se entregará a los asistentes una serie de objetos productores de sonidos y se procederá a explicar el significado del código a proyectar. Se dividirá a la audiencia en grupos o familias de instrumentos, alterando la tradicional relación entre compositor-intérprete-público: la audiencia será intérprete y público a la vez.

Matías Giuliani